Avis de Cherycok :
La comédie est un genre très répandu dans le paysage cinématographique de la Corée du Sud, même si elle est très souvent mixé avec du drame, de l’action ou de la romance. Du coup, les comédies « brutes » sont assez rares et il faut un minimum de recherche pour les dénicher. Happy Killing, qui en fait parti, est en fait un remake du très bon film français Serial Lover (1998) de James Huth avec Michelle Laroque et Albert Dupontel. Cette adaptation se montrera-t-il à la hauteur ?

Si on a vu l’original, on s’aperçoit vite que dans l’ensemble, ce Happy Killing lui est assez fidèle, avec certains gags voire des scènes entières qui sont similaires même si le film prend la liberté d’y introduire de nouvelles choses et d’en supprimer certaines. Un copier-coller exact n’aurait eu que peu d’intérêt même si l’appartement qui semble ici un peu plus grand est agencé un peu de la même façon. Le nombre de personnages est également le même. Ils diffèrent sur certains points, comme leurs métiers mais sur leurs actions ou leur façon d’être, on retrouve bien des similitudes. Mention spéciale à l’acteur qui incarne l’inspecteur qui, même s’il n’arrive jamais à la cheville du personnage campé par Dupontel, est sans doute le plus réussi.
Aucune idée si Kyung-han Kang adore le film Serial Lover où si ce choix a été imposé par les producteurs, mais dans tous les cas, il lui rend bien hommage même si à aucun moment il n’arrive à l’égaler.

Happy Killing souffre par contre d’un début méchamment longuet. La mise en place traine un peu en longueur à tel point qu’on se demande si cela va décoller à un moment ou un autre. Les personnages se contentant de faire vaguement connaissance entre pseudos prétendants de celui de Ye Ji-won et les vrais gags tardent à arriver. Mais plus le film avance, plus il devient efficace et comme dans Serial Lover, les situations les plus funs finissent par s’enchainer à grande vitesse et on se demande à chaque fois comme l’héroïne va s’en sortir. Certains passages virent d’ailleurs très souvent en gros délire déboulant même à un moment donné sur une parodie du The Ring de Nakata avec un des acteurs, affublé d’une perruque un peu plus tôt, va sortir d’une télé dont l’écran a explosé. Complètement inutile mais franchement bien amené et fendard.
Du coup, après cette mise en place difficile, le rythme s’accélère plus aucune longueur ne sera à signaler. On ne rit qu’à quelques reprises aux éclats mais on garde durant toute la deuxième moitié du film un bon sourire aux lèvres signe que la comédie fonctionne. Il faut dire que les acteurs se donnent à fond, peut-être même un peu trop et certains sont constamment en surjeu ce qui pourra irriter les plus allergiques au cabotinage intensif.

On est loin du petit bijou d’humour noir qu’est Serial Lover mais le film se laisse regarder sans déplaisir d’autant plus que la mise en scène est un quasi sans faute avec une photographie très réussie. Que vous ayez vu ou non l’original, Happy Killing égayera sans problème une petite soirée où l’envie de se marrer un petit coup se fera ressentir.

Acteurs : Ye Ji-Won, Lim Won-Hee, Jo Hee-Bong, Park No-Shik, Jeong Kyeong-Ho, Jang Hyun-Sung, Woo Hyeon, Jo Eun-Ji, Jung Doo-Hong, Yun Ju-Sang, Kim Byeong-Chun, Baek Do-Bin

Avis d’Oli :
Nakata Hideo est de retour à l’horreur discrète, tablant davantage sur l’ambiance que sur le « jump scare », après un aparté peu mémorable, fait de thrillers ratés voire…carrément grotesques. Et ça fait plaisir, de retrouver notre bon vieil Hideo et sa caméra anguleuse dont les mouvements particuliers laissent poindre de gros indices sur la réalité de l’environnement de la jeune Asuka. Ces longs moments, posés mais lourds de sens magnifiés par une musique peu envahissante et pourtant…pesante. Oui ça fait plaisir, de retrouver notre bon vieil Hideo et son sens de la mise en scène, ces instants où il ne se passe pas forcément grand-chose mais qui nous immergent littéralement dans l’intrigue…et plus particulièrement dans l’immeuble, inquiétant au possible.

Oui ça fait plaisir de frissonner lorsqu’Asuka déambule dans un appartement plongé dans l’obscurité, seulement aidée par la fragile lumière de son téléphone portable. Quant aux scènes « choc », si elles sont rares elles sont malgré tout bien amenées, et ce climax final, qui passe du minimalisme extrême (un salon, une porte) au déferlement d’images beaucoup plus fortes emballe autant qu’il frise la correctionnelle. Pour moi ça a plutôt fonctionné, pour d’autres le film de Nakata pourrait bien sombrer dans le ridicule à ce moment précis.

Je suis donc ressorti de la salle de ciné plutôt convaincu. Soulagé, même. Il faut dire que Nakata Hideo part de loin…aussi le fait de le retrouver dans un film moins démonstratif et tapageur que les précédents a suffi à mon bonheur. Des spectateurs moins indulgents auront, je pense, beaucoup plus de mal à apprécier KUROYURI DANCHI. Il faut bien le reconnaître : le film de Nakata est rempli de clichés et si la réalisation distille plusieurs scènes très réussies, sur le fond il y a peu ou pas de surprises. Non malgré son titre international, THE COMPLEX n’est pas très compliqué. Classique dans le bon sens du terme, ce KUROYURI DANCHI, ou dans le mauvais ? A chacun de voir…une chose est sûre néanmoins : l’émotion est beaucoup moins forte que dans DARK WATER – comment ne pas comparer ces deux films ? Surtout que Nakata Hideo n’est ici clairement pas aidé par Maeda Atsuko, une ex-idole d’AKB48 désormais actrice à plein temps. On va quand même lui souhaiter bonne chance pour la suite de sa carrière – et puis restons positifs : contrairement à Nakata, la miss ne peut que s’améliorer !

Réalisateur : Nakata Hideo

Acteurs : Maeda Atsuko, Narimiya Hiroki, Katsumura Masanobu, Nishida Naomi, Tanaka Kanau, Suwa Tarô, Yanagi Yûrei

Avis de Cherycok :
Premier film du réalisateur Kwon Hyeok-Jae mais co-écrit par Ryoo Seung-Wan, réalisateur de Arahan, Crying fist ou encore The Unjust, Troubleshooter est un film policier à tendance thriller mâtiné de comédie, un mélange assez courant en Corée du Sud où on se plait à mixer les styles de façon assez régulière. Troubleshooter arrive-t-il à se démarquer de la masse de films du genre qui déboulent tous les ans sur les écrans coréens ? La réponse est clairement non. Est-ce un mauvais film pour autant ? Non plus.

Sous une histoire tout ce qu’il y a au premier abord de plus classique, à savoir une d’un mec accusé pour quelque chose qu’il n’a pas commis, se cache en en fait un scénario complètement alambiqué, un peu (beaucoup) tiré par les cheveux, où notre pauvre héros va se retrouver confronter à du politicien véreux qui veut à tout prix remporter des élections, à du flic corrompu à tous les étages, à des membres de la famille qui ne valent pas mieux, bref, à un monde complètement pourri de l’intérieur où tout le monde va en prendre pour son grade à tel point que ça en est un peu grotesque. Et comme dans 100% des films racontant le même type d’histoire, il y aura biensur un gentil policier, interprété ici par l’excellent Oh Dal-Su (A Bloody Aria, Private Eye), qui va deviner très rapidement que notre héros n’est pas le meurtrier.
L’ensemble est bien trop tarabiscoté pour qu’on y croit vraiment et le film aurait franchement mérité d’aller un peu plus à l’essentiel plutôt que d’essayer de nous mettre la tête à l’envers sur ces histoires de qui essaie de la mettre à l’envers à qui au final n’apportent pas tant que ça si ce n’est parfois des scènes de parlotte un peu inutiles.

Le rythme est d’ailleurs en dent de scie à cause de ce genre de scènes un peu barbantes surtout qu’on arrive bien à deviner ce qu’il va se passer. Heureusement que les acteurs sont vraiment très bons dans leurs rôles respectifs, quoi que surjouant un peu de temps en temps, et permettent de ne pas tourner de l’œil entre les scènes d’action qui valent le détour.
La scène d’intro est d’ailleurs l’exemple parfait du passage qui en met plein la vue. Les scènes d’action et de courses-poursuite sont montées avec nervosité, et même si ça a beau être parfois un peu too much, ça n’en reste pas moins très efficace d’autant plus que pour un premier film, la mise en scène est très propre. On regrettera simplement ce tic très agaçant tout le long du film de faire sans arrêt tourner la caméra autour des personnages lorsqu’ils prennent la pose pour réfléchir, lorsqu’ils sont perdus ou autre… Ca donne vraiment envie de régurgiter son repas.

Troubleshooter est un film typique de la production cinématographique coréenne de ces dernières années, pas plus marquant ou original que nombreux de ses petits copains, c’est d’ailleurs le plus gros reproche qu’on pourrait lui faire. Malgré tout, ça fonctionne assez bien et l’amusement attendu est bien là même si on ne peut pas s’empêcher de penser qu’on aurait pu avoir quelque chose de mieux fichu. Divertissant.

Réalisateur : Kwon Hyeok-Jae

Acteurs : Sol Kyung-Gu, Lee Jung-Jin, Oh Dal-Su, Song Sae-Byeok, Lee Seong-Min, Joo Jin-Mo, Moon Jung-Hee, Choi Ji-Ho, Lee Young-Hoon, Kim Hyang-Gi, Park Young-Seo, Jo Young-Jin, Song Jae-Ho

Avis de Laurent :
Après un retour remarqué sur le devant de la scène avec le très expérimental (et inégal) Department (2012), le stakhanoviste de la pelloche Ram Gopal Varma revient avec The Attacks of 26/11 à un cinéma plus réaliste. Basé sur les terribles événements de novembre 2008 à Bombay qui ont fait une centaine de victimes, le célèbre cinéaste propose sa vision sur le déroulement des opérations en croisant les points de vus des terroristes et des forces de l’ordre. Rakesh Maria (Nana Patekar), alors chef-adjoint de la police de Bombay, explique devant une commission son incompétence à gérer une situation aussi extrême.

Contrairement à son Department réalisé quelques mois auparavant, Ram Gopal Varma renoue au travers The Attacks of 26/11 avec son cinéma et sa manière si particulière de filmer. En utilisant comme prétexte ces graves événements qui ont bouleversés toutes l’Inde en 2008, il se réapproprie ses codes cinématographiques dans lesquels chaque plan est au service de la narration et d’une tension qui monte crescendo.

Le récit est découpé en deux parties qui s’entremêlent : les opérations sanglantes effectuées par les terroristes et les explications données à froid par Rakesh Maria devant une commission. Ce choix narratif est sans aucun doute l’une des rares faiblesses du film puisque des incessants flashbacks viennent malheureusement diminuer à intervalles réguliers l’intensité des séquences chocs. Mais quelles séquences ! Ram Gopal Varma a effectivement des arguments de poids pour rembarrer le spectateur le plus hermétique à un cinéma indien caricaturé à outrance. The Attacks of 26/11 propose ce que l’on peut trouver de plus violent et de plus stylisé dans les autres pays influents cinématographiquement (HK style). Sur une durée de presque deux heures, Ram Gopal Varma distille quatre énormes séquences de carnages à l’esthétisme varié : le café Leopold, l’hôtel Taj Mahal, la gare centrale et l’hôpital. Chaque séquence propose d’une manière originale sa montée en puissance avec une description du décor qui pose d’une manière silencieuse tous les enjeux respectifs. Et quelle réussite formelle ! Ram Gopal Varma a décidément un sens du cadre que peu de cinéastes peuvent prétendre aujourd’hui (le chaînon manquant entre Sergio Leone et Johnnie To). Chaque plan a un pouvoir narratif énorme (la bouée qui s’écrase lors de l’abordage du bateau de pêcheur à titre d’exemple), la maîtrise du hors champ est elle aussi fabuleuse (le meurtre de l’enfant lors de l’attaque de l’hôtel Taj Mahal) et la maitrise des silences est parfaite (l’hôpital et son faux rythme bien tendu).

Cependant la réussite n’est pas totale, la faute à un rythme saccadé par les scènes qui reviennent à froid sur les événements. L’utilité de ces passages un peu trop bavards est sans doute à rechercher dans l’augmentation du temps de présence de Nana Patekar à l’écran. Même si le magnétisme lié à son charisme impeccable fait toujours effet (rien que de le voir boire du thé à l’écran en impose), il faut attendre une bonne heure pour le voir prendre possession de son personnage … En effet, il justifie sa présence dans le cast à partir du moment où il vient foutre le bordel dans la morgue … Et tous ceux qui ont pu apprécier Ab Tak Chappan (2004) savent que l’on ne plaisante pas avec un Nana Patekar qui part en vrille…

Froid, furieux, violent … parfois bassement racoleur … The Attacks of 26/11 confirme le retour en grâce d’un Ram Gopal Varma qui en a décidément encore beaucoup dans le calbute. Et dire que son prochain projet n’est autre qu’Ab Tak Chappan 2 en dit long sur les attentes que suscite le plus furieux des cinéastes telugus … avec entre autre Nana Patekar dans un rôle on ne peut plus musclé … Vivement la suite !

Réalisateur : Ram Gopal Varma

Acteurs : Nana Patekar, Sanjeev Jaiswal, Ganesh Yadav

Avis de Cherycok :
On pourra dire ce qu’on veut du cinéma coréen, s’il y a un genre sur lequel ils ne sont pas trop mauvais, c’est le film policier et plus particulièrement le thriller. Souvent très américanisés, ils sont néanmoins carrés avec des scénarios qui arrivent très souvent à maintenir le spectateur en haleine. Confession of Murder rentre exactement dans ces critères même s’il souffre malheureusement de quelques lacunes sur d’autres points tout aussi importants.

Malgré une course poursuite bluffante dès le début dans des rues sombres et pluvieuses, filmé avec brio, osant d’excellents plans de caméra parfois non sans rappeler le Time and Tide de Tsui Hark, les scènes d’action sont au final assez rares. Le film tient en effet bien plus du thriller qui prend son temps. Mais lorsque le réalisateur décide de les rendre spectaculaires, il ne fait pas les choses à moitié, s’inspirant énormément du cinéma américain tout en gardant ce style coréen parfois très sec avec des pointes de violence. Le film souffre d’ailleurs de temps à autres de ces tics typiques du cinéma coréen dont le plus connus est bien entendu cette pluie battante, très présente dans le début du film.
Dommage que la grosse scène d’action du milieu du film, impressionnante certes, soit un peu (beaucoup ?) too much, frôlant parfois le ridicule (le coup du brancard), pourtant très Jackiechanesque dans l’âme. Sur une comédie, l’ensemble serait passé comme une lettre à la poste, mais sur un thriller de ce genre, l’impression laissée est assez douteuse. La course poursuite finale est par contre sans réel accro, un peu poussive elle aussi mais bien plus dans le ton.

Confession of Murder est porté par un Jung Jae-Young (Guns & Talks, Quiet Family) magistral, interprétant à la perfection son rôle de flic désabusé, devenu alcoolique suite à la perte de l’être aimé. Il contraste d’ailleurs un peu avec le reste du cast bien moins charismatique, à commencer par un « tueur » pas réellement crédible, ni réellement bon acteur, dont le personnage sonne d’ailleurs un peu faux. Dès sa première apparition à l’écran, on ne croit pas une seconde à cette histoire de tueur en série qui 15 ans après les faits se repentit en sortant un livre, déjà parce que -selon moi-, l’acteur a été mal choisi et est bien trop jeune étant donné que les fait se sont déroulés 17 ans auparavant et qu’on a l’impression qu’il a à peine 25 ans, et d’autre part parce que la façon dont il nous est présenté cloche sur bien des points. Comme le scénario est parfois un peu tiré par les cheveux, on voit venir le coup fourré et par conséquent, lorsque celui-ci arrive, la surprise est bien moindre.

Néanmoins, Confession of Murder fait son travail correctement, les flashbacks ne plombent pas trop le film comme on a souvent l’habitude de le voir, même si on voit bien à l’avance qu’on essaie de nous la faire à l’envers, c’est non sans un plaisir certain qu’on découvre petit à petit là où le réalisateur essaie de nous amener. Jung Byoung-Gil prend même soin d’égratigner au passage tous les médias qu’on nous montre capables de tout, allant jusqu’à prôner un tueur en série et l’inviter sur des plateaux télévisés pour avoir des exclues et engendrer un maximum d’argent.
Malgré les 1h59 du film, on ne s’ennuie pas, le film est assez bien ficelé pour nous tenir en haleine jusqu’à la « révélation » finale. On aurait malgré tout préféré gratter des minutes ci et là lors de scènes pas forcément 100% utiles pour rendre l’ensemble encore plus dynamique mais que voulez-vous, la durée réglementaire des films en Corée semble lorgner plus du coté des 2h que des 1h30.

Pas de quoi tomber en extase devant ce Confession of Murder au final, mais pourtant le film fait son job. Malgré quelques points noirs, on est devant un bon divertissement, visuellement très bien mis en boite, et qui permet de passer un bon moment.

Réalisateur : Jung Byoung-Gil

Acteurs : Jung Jae-Young, Park Si-Hoo, Kim Young-Ae, Jang Gwang, Jo Eun-Ji, Jung Hae-Kyun, Choi Won-Young, Kim Jong-Goo, Oh Yong, Park Woong, Jang Mi-Ja, Min Ji-A, Ryoo Je-Seung, Lee Jae-Gu, Kim Min-Sang

Retrouvez dans la suite de cet article toutes les informations concernant ces films ainsi que leur date de sortie…

LE FILS UNIQUE

POUR LA PREMIÈRE FOIS AU CINÉMA !
UN FILM INÉDIT – VERSION RESTAURÉE HAUTE DÉFINITION

« Un chef-d’oeuvre qui décrit en détail la vie et les moeurs du petit peuple, leurs espoirs et leurs difficultés à une époque où le Japon est, à son tour, aspiré dans les difficultés économiques du reste du monde. »

Tadao Sato, Le Cinéma japonais

A Shinshu, petit village de montagne au centre du Japon, une fileuse de soie élève seule son fils Ryosuke. Bon élève, celui-ci est en âge d’aller au lycée mais la mère s’y oppose car les études sont trop coûteuses. Elle finit néanmoins par accepter, faisant le choix de tout sacrifier pour l’éducation de son fils. Treize années plus tard, Ryosuke s’est installé à Tokyo et sa mère lui rend visite pour la première fois. Malgré les efforts de son fils pour l’accueillir, celle-ci découvre qu’il vit dans une situation précaire, déçu par les promesses de la grande ville…

Premier film parlant d’Ozu, Le Fils unique décrit avec un réalisme sombre, quoique peu fataliste, les difficiles conditions sociales du Japon d’avant-guerre. À la fois intime et universel, le récit se déploie sur une quinzaine d’années pour capter une époque charnière, marquée par la fracture entre la vie rurale et l’essor urbain. À travers ce récit de sacrifice et d’illusions perdues, le cinéaste livre une étude sensible du rapport mère-fils, « drame de la vie » comme l’annonce le carton d’ouverture, mais également lien naturel positif puisque la mère encourage le fils à persévérer. Inédit en France, Le Fils unique annonce les oeuvres les plus célèbres du maître (Il était un père, Voyage à Tokyo) et demeure l’un des drames sociaux les plus poignants de Yasujiro Ozu.

VOYAGE À TOKYO

L’UN DES PLUS GRANDS FILMS DE L’HISTOIRE DU CINÉMA
DANS UNE NOUVELLE VERSION RESTAURÉE HAUTE DÉFINITION

« Si notre siècle donnait encore sa place au sacré, s’il devait s’élever un sanctuaire du
cinéma, j’y mettrais pour ma part l’oeuvre d’Ozu. »

Wim Wenders

Un couple âgé entreprend un voyage pour rendre visite à ses enfants. D’abord accueillis avec les égards qui leur sont dus, les parents s’avèrent bientôt dérangeants. Seule Noriko, la veuve de leur fils mort à la guerre, trouve du temps à leur consacrer. Les enfants, quant à eux, se cotisent pour leur offrir un séjour dans la station thermale d’Atami, loin de Tokyo…

Ozu bâtit ses histoires et ses personnages avec minutie et parvient à toucher profondément le spectateur. Réunissant au sein d’une même famille l’ensemble de ses acteurs fidèles (Chishu Ryu, Setsuko Hara, Haruko Sugimura), le maître japonais livre là la quintessence de son oeuvre. Plan après plan, le cinéaste prend le temps nécessaire pour faire ressentir l’inexorable : la vieillesse, l’éloignement, l’abandon des moeurs traditionnelles, la mort. La reconstitution admirable de la réalité à l’écran nous force à l’accepter comme s’il s’agissait de la vie ellemême. Bouleversant, Voyage à Tokyo reste l’une des oeuvres les plus accessibles, les plus fascinantes et les plus abouties d’Ozu.

LE GOÛT DU SAKÉ

L’ULTIME CHEF-D’OEUVRE DE YASUJIRO OZU
DANS UNE NOUVELLE VERSION RESTAURÉE HAUTE DÉFINITION

« Une beauté formelle intense qui exprime le désespoir tranquille et résigné d’un grand
philosophe-poète du cinéma. »

Jean-François Rauger

Veuf, Shuhei Hirayama approche de la retraite et vit toujours avec sa fille Michiko qui est en âge de se marier. Le père comme la fille repoussent l’échéance, l’un craignant la solitude et l’autre la culpabilité de l’abandon. Après le travail, Hirayama a l’habitude de retrouver des amis autour d’un verre. Un soir, l’un d’eux lui propose un gendre pour sa fille, mais le père hésite. Quelques jours plus tard, le groupe d’amis retrouve un de leurs anciens professeurs qui, n’ayant pas su se séparer de sa fille, vit désormais dans la pauvreté.
Hirayama se dit alors qu’il est temps de songer à l’avenir de Michiko…

Dernier film de la carrière d’Ozu, Le Goût du saké est aussi l’un de ses récits les plus touchants et les plus personnels. Reprenant la trame de Printemps tardif, le cinéaste livre une nouvelle variation sur le passage du temps, l’évolution des moeurs et de la famille, qui a valeur d’épilogue pour l’ensemble de son oeuvre. Avec un regard désabusé, il dresse l’état des lieux du Japon des années 1960, entre disparition des valeurs traditionnelles et occidentalisation de la nouvelle génération. Aboutissement du style d’Ozu et de son travail
sur la couleur, Le Goût du saké est présenté dans une nouvelle restauration plus éclatante que jamais !

Une étrange relation va alors se nouer entre la toute jeune femme et cet homme qui aurait pu être son grand-père…relation qui va se compliquer lorsque Noriaki, le petit ami, va les rencontrer un peu par hasard. Il va alors naturellement penser que le vieil homme est le grand-père d’Akiko.

Avis d’Oli :
Ce jour-là, j’avais demandé à ma femme d’aller seule au vidéoclub, en lui proposant de louer le film de son choix. Je ne ferai plus jamais ça : elle est en effet rentrée à la maison avec un film d’Abbas Kiarostami ! La tête que j’ai tirée quand elle a déballé la galette…

Et je ne m’étais pas trompé : LIKE SOMEONE IN LOVE c’est en effet du « boring movie » de compétition. Oui, « compétition », j’ai choisi le mot à dessein puisque Kiarostami est le roi des films « à voir » en festival. Ces longs métrages pesants, recherchés et pour tenter un gros mot je dirais même « auteurisant », que les critiques de cinéma s’arrachent en essayant d’en trouver le sens caché et les détails secrets pour pouvoir la ramener lors des dîners mondains.

J’exagère, bien évidemment, mais ce LIKE SOMEONE IN LOVE c’est vraiment du Kiarostami pur jus (de cerise – pour le goût), avec des dialogues interminables dont on peine à saisir la finalité, des scènes en voiture interminables, des dialogues interminables, des scènes en voit…enfin bref vous avez compris.

Autant je suis réceptif à certains films difficiles d’accès comme ceux d’Ozu ou de Hong Sang-soo, par exemple, autant la cinématographie de Kiarostami me laisse globalement insensible, sans que je puisse vraiment expliquer pourquoi. Peut-être qu’avec l’âge j’ai à présent du mal à me motiver pour suivre des pérégrinations aussi floues et vaines pendant deux heures durant, je ne sais pas. C’est d’autant plus regrettable qu’il y a de très jolies choses, dans ce LIKE SOMEONE IN LOVE. La scène d’intro, par exemple, est très subtile, construite tout en faux-semblants (on a l’impression, au départ, qu’Akiko est en fait une cliente du bar). La fin également, est surprenante. S’agit-il d’ailleurs d’une fin ? J’ai ainsi lu, dans une critique japonaise du film de Kiarostami, que LIKE SOMEONE IN LOVE était pensé comme un haïku, c’est à dire sans réel début, ni véritable fin, avec des scènes qui se succédaient sans que l’on sache vraiment ce qui, à chaque fois, allait suivre.

Tout cela ne m’a pas entièrement convaincu. LIKE SOMEONE IN LOVE n’est pourtant pas un mauvais film, loin de là, mais comme je l’ai déjà précisé, j’ai toujours eu un peu de mal avec les subtilités du cinéma de Kiarostami. Ne me jetez donc pas la pierre, si je reste de marbre.

Réalisateur : Abbas Kiarostami

Acteurs : Okuno Tadashi, Takanashi Rin, Kase Ryo, Denden, Mori Reiko, Kubota Kaneko

Avis de Cherycok :
Lorsqu’on s’attaque à une obscure production philippine ultra rare, même pas référencée sur IMDB, que les plus éminents spécialistes de la toile (hum) estiment dater de 1987, dans une version tirée d’une VHS usée, qui plus est doublée en espagnol, faut déjà en avoir envie et se préparer un minimum. Comme rien ne m’arrête dans mon envie de parler de films dont tout le monde se fiche éperdument (à part peut-être Laurent), me voilà embarqué dans ce Eagle of the Jungle.

Alors, qu’est-ce que c’est ce que c’est que ce film. La première chose à laquelle on a droit, c’est à un des meilleurs festivals de cabines toutes aussi peu charismatiques les unes que les autres avec en bonus un festival moustaches / moumoutes frisées qui va permettre de patienter en attendant que l’action arrive. Car c’est long, très looooooooong à démarrer, il faut attendre la 28ème minute pour avoir le premier coup de feu et la 35ème pour le premier vrai gunfight. Du coup, on réfléchit franchement à abuser du bouton avance rapide de la télécommande… On sent également le tournage ultra rapide avec un budget riquiqui : une forêt, quatre pauvres maisons en bambou en guise de village, la location d’un hélico pour un jour et le tour est joué.
Malgré tout, lorsque ça se met à canarder, ça canarde bien. Enfin, façon de parler, on reste dans un vieux bis philippin bas de gamme, mais au moins c’est généreux avec un final qui donne tout, rythmé, dans lequel ça pète de partout. C’est complètement décérébré mais ça divertit.

Mais dans une série Z philippine de cette époque, on est en droit d’attendre de bien beaux instants nanars. Parce qu’il ne faut pas déconner non plus, on est quand même venu pour en trouver. Et il y en a de biens beaux. Citons en vrac des morts qui bougent parfois encore, des figurants qui se contentent d’agiter une pauvre mitraillette qui semble en plastique sans le moindre effet de feu au bout du canon… quand ils ne perdent pas leur chapeau en essayant tant bien que mal de le faire tenir en place… Des mercenaires tout aussi collector qui se pissent dessus, qui mitraillent des enfants sans réfléchir pensant que c’était des militaires vietnamiens qui se cachaient, sans parler de la castration la plus mal joué du cinéma.
Le film sait également faire preuve d’un anticommunisme primaire, à tel point que ca en devient n’importe quoi. De la torture, parce que le communiste est toujours très méchant. Du viol, parce que le communiste est toujours très obsédé, et des dialogues parfois ultra vulgaire, parce que le communiste doit être insulté comme il se doit. Mention spéciale au passage où le chef des rouges aime tellement le rouge qu’il boit une boisson rouge en posant devant un drapeau rouge.

Sans tomber à aucun moment dans le nanar de compétition (dommage…), Eagle of the Jungle comporte assez de moments foireux à tous les étages pour retenir l’attention de l’amateur de mauvais film sympathiques. Et ça tombe bien, c’est ce que j’étais venu chercher !

Note :

Note nanar :

Réalisateur : Henry S. Cruz

Acteurs : Dante Varona, Jim Dixson, Bruce Thomas, Joe Fischer, Peter Kolloch, Kenneth Bruce, Albert Bronsky, Rob Denny, Frank Campbell, Tony Cooper, Stefan Thoma, Lola Rodriguez, Ernie David, Usman Hassim, Alex Donna, Ben Morro

Avis de Rick :
Avant toute chose, je n’ai quasi aucun souvenir du film original de 1984 (ou de ses suites), je ne pourrais pas jouer au jeu des comparaisons ici, mais plutôt parler du film en lui même, pour ce qu’il vaut. Une histoire simple, se déroulant en Chine, avec en prime Jackie Chan en maître enseignant le kung-fu (faut dire, il a suffisamment fait l’élève par le passé, et il n’a plus l’âge), pourquoi pas ? Au final, dès les premiers instants, j’ai désenchanté, sans non plus détester le métrage. Tout semble si Américanisé dans le métrage, le petit Jaden Smith m’a tant énervé, que je n’ai pas mis longtemps avant de comprendre la raison : papa et maman Smith à la production. Car c’est simple, le jeune Jaden Smith, s’il n’est pas dénué de talents, loin de là, est présent à chaque plan, tente de s’imposer, de se la raconter, et ce n’est pas que son personnage qui veut ça (il suffit de voir l’interview passée sur TF1 il me semble lors de la sortie du film, ou celui ci ne laissait pas Jackie Chan répondre aux questions, répondant à sa place). Passé ça, Karate Kid se suit plutôt bien, malgré sa longue durée. Le métrage fait 2h15, et ça passe presque comme à la poste (quelques coupes n’auraient pas fait de mal quand même). On a la classique introduction des personnages principaux. Dre donc, le jeune Jaden Smith, qui se la pète un peu mais sait jouer, qui arrive à Pékin avec sa mère. Bien entendu, le jeune va avoir du mal à s’adapter, rien de bien surprenant à ce niveau, mais plutôt que de pousser ça plus loin, le scénario va donc se contenter de mettre sur sa route une bande de jeunes doués en kung-fu (peut être comme dans l’original ceci dit). On trouve donc forcément là des méchants garçons très méchants, avec un maître tout aussi méchant, qu’on a envie de détester dés qu’ils sont là. Pari réussi donc, les « méchants » sont franchement détestables. Pour contrebalancer tout ça, Dre aura à ses côtés Meiying, la source de tous ces problèmes, et de là va découler une histoire d’amour à l’eau rose entre ses deux enfants, et oui, on aura droit à un bisou !

Jouée par la jeune Wenwen Han, la petite s’en sort plutôt très bien, autant à l’aise en anglais qu’en mandarin, et on comprend rapidement que la petite sait également jouer du violon. Et au milieu de ce casting constitué à 80% d’enfants, on retrouve, oui, Jackie Chan, la star dont la carrière ne brille plus aussi bien depuis qu’il tourne en Amérique, malgré de bonnes surprises lors de ses retours au pays (New Police Story, Little Big Soldier). Malgré la grande importance de son rôle de maître, sa présence à l’écran est totalement happée par le jeune Smith, alors que Chan s’en sort plutôt admirablement. Présenté au départ comme le gardien de l’immeuble où vit Dre, Chan, jouant Han, passe comme un homme froid, peu concerné par les événements qui l’entourent. Mais petit à petit, au fur et à mesure de ses rencontres accidentelles (ou pas) avec Dre, Han va s’ouvrir petit à petit, et emmener au gros du film : l’entraînement. Ne vous attendez pas à voir un maître vraiment tyrannique, ou un entraînement barbare digne de Drunken Master ou encore Snake in the Eagle’s Shadow. Si Karaté Kid garde un élément de tous ses anciens films, c’est dans la relation qui se battit petit à petit entre le maître et l’élève, mais au final, l’entraînement sera plutôt light, commençant doucement (mais s’éternisant dessus) par la technique du… « je prend la veste, l’accroche, la prend, la laisse tomber, la ramasse »… Moui, on a connu bien plus dur comme entraînement, même si en soit, ça doit être bien crevant après une journée. Le reste de l’entraînement sera déjà plus passionnant, heureusement.

On aura bien droit à quelques techniques et autres, et l’ensemble passe plutôt bien. A côté de ça, aucune surprise, entre la relation entre le maître et l’élève qui grandit, et la romance entre Dre et Meiying. Pourtant, quelques scènes excellentes parviennent à sortir du lot. Jackie Chan par exemple, souvent bon acteur lorsqu’il ne joue pas l’éternel rôle qui amuse la galerie, surprend dans une scène où il dévoile enfin son passé.  Sans aucun doute la meilleure scène de tout le métrage, faisant appel uniquement au jeu d’acteur plutôt qu’à des artifices de mise en scène quelconques ou à des chorégraphies. De toute façon, c’est simple, le père Jackie, lui, n’aura droit qu’à un seul combat de tout le métrage. Sympathique par ailleurs. Le reste du métrage, outre l’entraînement de Dre, se focalise après sur le tournoi, prévisible au possible. Un tournoi où forcément, on se doute de l’issue, mais qui fonctionne néanmoins, grâce la plupart du temps à la méchanceté des adversaires, prêt à tout pour gagner, même les coups les plus bas. Dommage qu’au final, une gentille petite morale revienne trop rapidement au gallot derrière, venant ainsi désamorcer l’effet. Prévisible au possible, parfois énervant par certains aspects, ce nouveau Karaté Kid posséde néanmoins quelques bons atouts dans sa poche, le film est maîtrisé et l’ensemble passe bien.

Parfois irritant, parfois prenant, avec de très bons moments et des moins bons, Karaté Kid version 2010 est un honnête divertissement, et c’est déjà bien non ?

Titre : Karaté Kid – The Karate Kid
Année : 2010
Durée : 2h15
Origine : Etats Unis / Chine
Genre : Petit scarabée veut grandir

Réalisateur : Harald Zwart

Acteurs : Jaden Smith, Jackie Chan, Taraji P. Henson, Wenwen Han, Rongguang Yu et Zhensu Yu

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Avis de Rick :
Alors que le premier opus arrivait en France en 2005, le deuxième opus sortait au Japon. Miike Takashi cède sa place à un autre réalisateur, Tsukamoto Rempei (rien à voir avec Shinya). Le premier, sans être d’une originalité débordante, était un très honnête film de fantôme, flippant, avec quelques scènes d’anthologies, notamment une scène sur un plateau de télévision. Et on peut dire que cette suite suit le même trajet, en quelque sorte. Rien d’original dans le métrage, mais plus les scènes anthologiques non plus. Commençant plutôt bien, dans la droite lignée du premier film, avec quelques meurtres violents et toujours la fameuse sonnerie, le film suit par la suite un parcours différent. On regrettera, si les deux premières morts sont violentes, que la seconde est pratiquement un copié collé de la meilleure séquence du premier film  dans son déroulement, mais heureusement, pas dans ses aboutissements. Si le manque d’originalité du premier était oubliée grâce a de superbes moments, ici, c’est l’opposé, rien ne nous sort de la routine, ou nous sauve du sommeil.

Rapidement, les personnages partent du Japon pour Taiwan d’où semble venir cette nouvelle malédiction. Oui, ce n’est plus le même fantôme que dans le premier film, même si un retournement de situation en fin de métrage essaye de revenir sur la fin du premier film, en vain. En effet, la plupart des rebondissements du film ne fonctionnent pas, et on crie même au scandale dans certaines séquences. Même si le film se déroule ensuite à Taiwan, il suit la même structure narrative que le premier opus. La troisième victime, qui sera l’héroïne, reçoit l’appel maudit, cette fois ci par une vidéo (étrange, comme dans le premier). La visite de l’hôpital désaffecté du premier opus se change ici par, attention les yeux, la visite d’une mine désaffectée. Oui, le scénario se fou un peu de nous, et copie encore plus à droite et à gauche, piochant dans Ring, le premier La Mort en Ligne, et même Dark Water et The Eye. On sera même très surprit de voir lors d’une séquence un des personnages entrer dans une maison et trouver dans une pièce une espèce de puit. Comme si les emprunts du film n’étaient déjà pas assez évidents. Au choix, on pourra en rire, ou s’endormir. Mais en aucun cas crier au génie ou obtenir de la satisfaction de telle ou telle scène. Le fait de délocaliser était une bonne idée, mais le faire en continuant à se calquer sur quelque chose  de déjà vu ne mène à rien. Pourquoi changer une recette qui marche après tout. Sauf que là, le spectateur a compri et commence vraiment à saturer.

Le réalisateur tente d’insuffler un brin de nouveauté lors de son final. En vain, car on a du mal à accrocher tellement ce qui précède ne captive pas l’attention. Pourtant, l’idée aurait pu être sympathique et bien exploitée, mais elle tombe un peu à plat, et au final, elle fait même un peu tache. Bon, il y a quand même quelques qualités, comme quelques bonnes séquences, et quelques moments où l’on flippe vraiment, mais pourtant, cela reste à un niveau bien bas, inférieur a ce que l’on a déjà pu voir auparavant. Revoir le même film, ça ne marche pas, avec ses retournements de situations ne fonctionnant pas non plus. On sera tout de même content (un bref moment) de retrouver l’inspecteur de police du premier opus, qui joue dans beaucoup de films de  Miike, dont le premier Dead or alive et Audition: Ishibashi Renji. Bien maigre pour se consoler d’avoir perdu 1h45 de notre temps.

Déception, déception. La mort en ligne 2 est une suite banale et bâclée, ne faisant pas honneur à l’original. Mais c’est tout de même mieux que le futur remake Américain du premier opus, assurément. Reste le troisième opus, qui relève la barre.

Titre : One Missed Call 2 – Chakushin Ari 2 - 着信アリ2
Année : 2005
Durée : 1h30
Origine : Japon
Genre : Fantômes

Réalisateur : Tsukamoto Rempei

Acteurs : Mimura, Yoshikawa Yû, Seto Asaka et Ishibashi Renji

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